Ve druhé polovině XNUMX. století nejprve v Evropě a poté v Rusku vzniklo umělecké hnutí – moderní (z francouzského moderne – moderní). Charakteristickým rysem tohoto stylu je nahrazení přímých linií a úhlů přirozenějšími, „přirozenějšími“ liniemi, rozkvět užitého umění s převahou křivočarých rostlinných vzorů, tvořících kompoziční strukturu díla.

Secesní malba se vyznačuje kombinací ornamentálního pozadí a naturalistickou hmatatelností postav a detailů, siluet, použitím velkých barevných ploch nebo nuancí monochromie. Secesní sochařství se vyznačuje dynamikou a plynulostí forem a grafika hrou nádherných křehkých linií a siluet.

V Rusku bylo na konci 1890. let XNUMX. století založeno umělecké sdružení „World of Art“, které prosazovalo v umění prioritu estetického principu před vysoce sociální orientací Wandererů a usilovalo o modernost a symboliku.

V průběhu let do spolku patřili umělci A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich, M. V. Dobužinskij, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov a další. Blízko „Světu umění“ byli I. Ya. Bilibin, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, V. A. Serov, M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, K. F. Yuon a další.

Vrubel Michail Alexandrovič (žil 1856–1910) – ruský umělec, významný představitel secese a symbolismu. Vrubel dosáhl výšek téměř ve všech druzích a žánrech výtvarného umění: malba, grafika, dekorativní sochařství, divadelní umění. Vrubelův odkaz zahrnuje četné obrazy, dekorativní panely, fresky a knižní ilustrace.

Panna a dítě. 1884-85

M. A. Vrubel. Labutí princezna. 1900

V mnoha Vrubelových obrazech raného období vládne atmosféra pohádky. „Labutí princezna“ je obraz od Vrubela, napsaný podle jevištního obrazu hrdinky opery N. A. Rimského-Korsakova „Příběh cara Saltana“.

Princezna se smutnou tváří na Vrubelově plátně je tajemná a záhadná. Na pozadí soumraku klesajícího nad mořem vystupují křídla princezny jako světlý bod, namalovaný zvláštním „vrubelským“ způsobem jako fasetované drahé kameny.

M. A. Vrubel. Sedící démon. 1890

Jeden z ústředních obrazů Vrubelova díla lze nazvat obrazem démona jako obrazem síly lidského ducha, vnitřního boje a pochybností. Na počátku 1890. let XNUMX. století Vrubel maloval ilustrace k básni M. Yu. Lermontova „Démon“, poté začal pracovat na „Sedícím démonovi“ a později napsal „Létající démon“ a „Poražený démon“.

READ
Jak se spojují trubky z nerezové oceli?

V prvním obraze tohoto cyklu Vrubel interpretuje obraz démona jako ducha, který není ani tak zlý jako trpící a zarmoucený, zároveň mocný a majestátní duch. Démon s tragickým stiskem rukou sedí obklopený fantastickými květinami na pozadí hor v šarlatovém západu slunce. Obrovské oči démona jsou smutné, jeho pohled směřuje do dálky. Postava Démona jako by byla vtěsnána mezi horní a spodní rám obrazu, což ji vizuálně přibližuje divákovi a umocňuje dramatičnost obrazu.

V pokračování tohoto tématu v „Létajícím démonovi“ Vrubel zobrazuje démona jako mocného vládce světa a v „Poraženém démonovi“ je démon napsán na pokraji smrti, jeho postava je zlomená, ale výraz jeho tváře je nápadný svým výrazem, duch démona není zlomen.

Ve všech těchto obrazech se jasně projevuje Vrubelův osobitý styl, vše je malováno s efektem třpytivých krystalických hran, díky čemuž tyto obrazy vypadají jako vzácné vitráže nebo panely. Vrubel tohoto efektu dosáhl použitím paletového nože místo štětce, v tomto případě byly tahy barvy ploché a husté.

M. A. Vrubel. Démon je poražen. 1902

V roce 1902 Vrubela postihla vážná duševní choroba, jednou z příčin byla smrt Vrubelova malého syna. V pozdním období své tvorby, strávené především na soukromých klinikách v Moskvě a Petrohradě, vytvořil Vrubel řadu děl, která přecházejí od moderny k avantgardě.

M. A. Vrubel. Šestikřídlý ​​seraf. 1904

V tomto díle umělec obdařil Seraphima hypnotizujícím pohledem samotného osudu a meč a lampa v jeho rukou vypadají jako symboly života a smrti: ocel vyzařuje ledově chlad a hádá se s živým a horkým světlem lampy. Úžasně krásná barva obrazu připomíná byzantské mozaiky a vitráže.

Obraz „Šestikřídlý ​​seraf“ lze nazvat mnohonásobným finále celé Vrubelovy tvůrčí cesty za hledáním obrazů démonů a andělů.

Další slavná díla

„Pán“, „Sny princezny“, „Let Fausta a Mefistofela“, „Portrét Savvy Mamontova“, „Portrét Zabely-Vrubel“, „Portrét syna“, „Věštkyně“, „Perla“.

V. A. Serov. Autoportrét.

V raném období své tvorby měl Serov blízko k ruskému impresionismu, v dílech tohoto období viděl umělec svůj hlavní úkol v bezprostřednosti vnímání modelu a přírody a jejich pravdivém plastickém řešení. V slunečném vývoji světla a barev, v přenosu komplexní harmonie reflexů a vzduchu, Serov oslavuje mládí a krásu svých modelů.

READ
Co jsou barvy na barevné sklo?

Dívka s broskvemi. 1887

Za obraz „Dívka s broskvemi“ získal Serov cenu od Moskevské společnosti milovníků umění.

V. A. Serov. Znásilnění Evropy. 1910

Postupem času se Serovův impresionistický styl stává zdrženlivějším, přibližuje se monochromatické malbě a získává rysy nového secesního stylu, nejzřetelněji se projevující v dílech jako „Portrét Idy Rubinsteinové“ a „Znásilnění Evropy“.

Obraz „Znásilnění Evropy“ vytvořil Serov ve stylu monumentálního dekorativního panelu. Námětem umělce byl starověký řecký mýtus o únosu Europy, dcery krále Agenora, Diem, který se proměnil v býka.

Kompozici plátna s vysokým horizontem postavil Serov na rytmickém diagonálním pohybu forem. Aktivní pohyb plavajícího býka zastaví otočení jeho hlavy, rovnováha dvou vln, mezi nimiž jsou uprostřed hlavy Europy a Dia. Konvenčně psané vlny vytvářejí pocit měřeného pohybu, postavy delfínů opakují pohyb vln a plavajícího Zeuse, čímž umocňují dynamiku celé kompozice.

Barevné schéma obrazu je založeno na harmonii modré a oranžové: jasně červená skvrna postavy býka na modrofialovém moři vypadá krásně a expresivně. Tlusté modré „skvrny“ roztroušené po hladině vody, zobrazující vodní vlnky, zprostředkovávají pohyb vln a organizují rovinu obrazu, stejně jako jasné obrysy všech postav.

V. A. Serov. Portrét Idy Rubinsteinové. 1910

Vrcholem secesního stylu v Serovově tvorbě byl portrét Idy Rubinsteinové, slavné tanečnice a herečky té doby. V tomto portrétu se Serov nesnažil znovu vytvořit svůj skutečný obraz; hlavním úkolem umělce zde bylo stylizovat přírodu a zprostředkovat složitost charakteru modelu. Serov při zachování specifických individuálních rysů modelu, jeho vzhledu, charakteru a plasticity spojuje v kompozici skutečné a konvenční, což byly charakteristické stylové rysy secese.

Serov zobrazil Idu Rubinsteinovou v portrétu vzdorné, velkolepé, ale zároveň je vzhled herečky jemný a lyrický. Umělec reprodukuje postavu modelu ve složité zatáčce pomocí ohnutých linií a maximálně vyostřuje její obrys. Samotná kompozice, splňující požadavky moderny, neprozrazuje prostor, ve kterém je herečka zobrazena, pozadí portrétu je ploché a konvenční, což vytváří pocit, že Ida Rubinstein nesedí, ale je roztažená, stlačená proti zdi.

Při svém prvním představení na Mezinárodní výstavě umění v Římě v roce 1911 obraz působil skandálním dojmem: veřejnost byla šokována jak tím, že slavný tanečník, který byl ve společnosti přijímán, pózoval nahý, tak tím, že Serov použil zcela nové kompoziční a malířské techniky, odlišující secesní styl.

READ
Jak odmítnout ústřední topení v bytě na Ukrajině?

V. A. Serov. Portrét princezny

O. K. Orlová. 1911

Příkladem takového slavnostního portrétu s modernistickými rysy lze nazvat „Portrét princezny O. K. Orlové“, v němž se snoubí sofistikovaná malířská technika s ironií a lehkým výsměchem. Serov namaloval tento portrét na objednávku samotné princezny, ale mnoho současníků si všimlo umělcova nekompromisního pohledu na zákazníka a podezřívalo ho ze sarkasmu.

Olga Orlová je zobrazena v honosné póze: obrovský klobouk, sobolí štóla odhozená dozadu a odhalující ramena, ruce svírající perlový náhrdelník, odhalená špička lakované boty – to vše dodává obrazu princezny propracovaný lad. V secesním stylu Serov využívá nervózní, hranaté kontury siluety postavy v kombinaci s realističností a věcností detailní práce.

Další slavná díla

„Mika Morozov“, „Jiří Vítězný“, „Odchod císaře Petra II. a carevny Alžběty Petrovny na lov“, „Odchod Kateřiny II. na sokolnictví“, „Anna Pavlová v baletu La Sylphide“, „Odysseus a Nausicaa“, „Portrét S. M. Dragomirové-Lukomské“, „Portrét umělce I. I. Levitana“, „Portrét umělce K. A. Korovina“, „Portrét umělce M. A. Vrubela“, „Portrét princezny Z. N. Yusupové“ „Portrét I. Yu Grunberg.“

Hlavním směrem Vasnetsovovy tvorby se stává epická historická malba, kde umělec transformuje ruský historický žánr a kombinuje středověké motivy s poetickou atmosférou ruských pohádek.

Řada Vasnetsovových děl se svým stylem blíží dekorativním deskovým malbám typickým pro secesi, přenášející diváka do světa snů.

V. M. Vasněcov. Rytíř na rozcestí. 1882

Vasněcov pod dojmem ruských eposů na konci 19. století maloval monumentální plátna „Bogatyrs“ a „Rytíř na rozcestí“.

Děj filmu „Rytíř na křižovatce“ je založen na motivech eposu „Ilya Muromets a lupiči“. V počátečních náčrtech tohoto obrazu Vasnetsov obrátil rytíře čelem k divákovi. Ale pro větší expresivitu a emocionalitu obrazu v konečné verzi umělec zvětšil velikost plátna, postava rytíře se stala monumentálnější, hloubka kompozice se snížila a stala se plošší, blíže k panelu. V poslední verzi zmizela i cesta, takže rytíř neměl jinou možnost než tu, která byla naznačena na kameni.

V. M. Vasněcov. Alyonushka. 1881

Impulsem k namalování tohoto obrazu bylo náhodné setkání umělce s prostovlasou selkou. V její sladké tváři viděl Vasnetsov zvláštní ruskou duši s její melancholií, osamělostí a čistě ruským smutkem v očích.

READ
Jak správně zasadit kedlubnové zelí?

Při hledání krajinného motivu pro tento obraz Vasnetsov dokončil mnoho náčrtů z břehu řeky Vor v Abramtsevo, poblíž rybníka v Achtyrce.

„Alyonushka“ byla poprvé vystavena na výstavě Putujících v roce 1881 a podle recenzí slavného kritika té doby I. E. Grabara byla jmenována jedním z nejlepších obrazů ruské školy.

V. M. Vasněcov. Křest Rusů. 1890

Vrcholem Vasnetsovovy kreativity lze nazvat obrazy kyjevské katedrály svatého Vladimíra, ve kterých umělec do určité míry aktualizoval byzantské kánony a vnesl do nich lyricko-osobní prvek a zvláštní „ruský“ psychologismus.

Všechna témata maleb katedrály vycházela z pochopení náboženské historie Ruska jako dědice Byzance a místa Ruska ve světové kultuře a historii.

Freska „Křest Rusů“ se stala jednou z ústředních skladeb katedrály sv. Vladimíra nad vchodem na kůr. Jako námět pro samotnou fresku si Vasnetsov vybral okamžik křtu obyvatel Kyjeva ve vodách Dněpru. V kompozici fresky umělec kombinuje vážnost a určitý patos, odpovídající zobrazenému okamžiku, s jasně individualizovaným ústředním obrazem prince Vladimíra Svyatoslavoviče, který do kanonické zápletky vnáší romantický prvek.

V. M. Vasněcov. Bůh zástupů.

Freska katedrály svatého Vladimíra. 1885-1896

Další slavná díla

“Gamayun”, “Sirin a Alkonost”, “Tři princezny temného království”, “Po masakru Igora Svyatoslaviče s Polovtsy”, “Ivan Tsarevich na šedém vlku”, “Car Ivan Vasiljevič Hrozný”, “The Slovo Boží, „Ukřižovaný Ježíš“, Kristus, „Panna s dítětem“.