Životní prostředí stírá hranice mezi přírodou a uměním a eko-umění nám připomíná důležitost ochrany přírody – přečtěte si článek o netriviálních uměleckých směrech.
Příroda vždy inspirovala umělce, sochaře a architekty. Na jedné straně se odráží v krajinách, fotografiích a instalacích.
Na druhé straně se rozvíjejí a úspěšně existují celá hnutí v umění, která se harmonicky začleňují do prostředí nebo s námi mluví o ekologických problémech. Hranice mezi kreativitou a jejím původním zdrojem se tak ztenčuje, a to vede k neobvyklým výsledkům.
Co je životní prostředí
Environment (z anglického environmental art) je umění, které se snadno integruje do prostředí nebo, jak se tomu říká „environmentální umění“. Taková díla vznikají na základě inspirace přírodním prostředím divoké zvěře a existují s ním v souladu. Environmentální estetika se rozšířila ve druhé polovině XNUMX. století. Obvykle se dělí na dva podtypy: skutečný a virtuální. V pojetí prostředí je důležité prolínání prostředí a uměleckého díla. Přitom samotné prostředí, tzn. sama příroda je obdařena zvláštní estetickou hodnotou.
Sochaři často prostřednictvím takových předmětů „environmentálního umění“ upozorňují na problémy životního prostředí a také na další společensky důležitá témata. Historici umění však radí vnímat umělecká díla v tomto stylu v širším smyslu – všímat si souvislosti mezi umělcem, jeho výtvorem a přírodou i hlubokého filozofického smyslu, který je mu vlastní. Každý autor se zájmem o vývoj environmentální estetiky promlouvá k pozorovateli o jednotě městského a přírodního.
Pro životní prostředí jsou důležité použité materiály, kterými jsou zpravidla přírodní zdroje: dřevo, zemina, kameny, uhlí, grafit. V tomto smyslu se hnutí úzce prolíná s land artem – hnutím, ve kterém umělci zcela integrují kreativitu do prostředí a smazávají mezi nimi rozdíl.
Umělečtí kritici poznamenávají, že je často poměrně obtížné nakreslit linii mezi prostředím a land artem a mnoho objektů land artu je také dílem prostředí, které je obvykle považováno za širší hnutí.
Životní prostředí v širším slova smyslu se z hlediska ideologického obsahu ukázalo jako docela blízké happeningu, neboť splynutí s prostředím se projevuje i zapojením veřejnosti do participace. Třeba když diváci koncert nejen sledují, ale také se ho účastní. Právě tato vlastnost kontrastuje s tradičními postupy a prostředím. Koneckonců se obvykle věří, že umění stojí mimo život, je od něj velmi odlišné, ale v tomto případě se umělecké a přírodní předměty vzájemně ovlivňují nebo jsou dokonce navzájem ztotožňovány.
Navíc zde můžeme mluvit o mísení umění, politiky a ekologie. Mnoho akcí a projektů souvisejících s environmentální estetikou kromě kreativní složky obsahuje silné sociální nebo filozofické poselství.
Příroda je věčným zdrojem inspirace
Člověk začal ve své kreativitě odrážet přírodu již od paleolitu. Tehdy neexistovaly žádné krajiny, ale primitivní umělci zobrazovali další důležité informace: zvířata, stromy, své vlastní postavy. Prostředí a jeho objekty se tak na dlouhou dobu staly hlavním tématem kreativity.
Blíže moderní době se objevila praxe plenérové malby. Umělci vyšli na čerstvý vzduch s stojanem a trávili hodiny nanášením vrstev barev na svá plátna, aby zprostředkovali všechny detaily toho, co viděli – tak odráželi své spojení s vnějším světem. Jejich pozorná pozorování vyústila v pravdivý, jemný a smyslný odraz přírody.
V současném umění zůstává důležitý i formát krajiny. Pravda, dnes se stále častěji používá jako materiál k přemýšlení a ironii. Například anglická umělkyně Diana Burko maluje stejný pohled několikrát, aby ukázala, jak se měnil v průběhu času. Upozorňuje tak na problémy životního prostředí a potřebu přehodnotit náš vztah k přírodě. A Alexis Rockman ve svých živých dílech odráží pesimistický pohled na to, jak naše planeta trpí kvůli znečištění.
Vznik nezávislého proudění
Environment se jako samostatné avantgardní hnutí začalo objevovat v 1970. letech XNUMX. století. Zpočátku byl nejvíce spojován se sochařskými formami. Mnoho umělců si všimlo, že památky a podobné architektonické objekty jsou zastaralé. Hlavní nevýhodou bylo, že nezapadali do svého prostředí.
V roce 1968 se v New Yorku konala výstava nového formátu s názvem „Earthworks“. Několik designérů se spojilo, aby vytvořili podivné krajinné objekty. Většina z nich byla prezentována pouze formou fotografií. Byly příliš velké na to, aby se vešly do galerie. Navíc tato prezentace zpochybnila tradiční představu tehdejších výstav.
V roce 1970 vznikla slavná Spirálová přehrada Roberta Smithsona. Jedná se o mohutnou stavbu z kamenů na břehu Velkého solného jezera v USA, která je vidět už z dálky. Postupem času se jeho čedičový základ velmi zhoršil, což vyvolalo debatu o nutnosti rekonstrukce. Sám umělec je mimochodem proti renovaci: věří, že takové chátrání dodává šmrnc a přibližuje konstrukci ještě více jejímu prostředí. Abstraktní formy Kafky a Castanedy tak nabývají skutečné podoby, protože každý při pohledu na takový předmět cítí nekonečnost pohybu po spirále života.
Podobné měřítko se odráží v práci Agnes Denes z roku 1982 s názvem „Wheatfield – Confrontation“. Umělec zasadil pšeničné pole v centru New Yorku na místě skládky, čímž nastínil univerzální lidské priority a hodnoty.
Jednou z prvních ekologických kampaní byl projekt „7 000 Oaks“. V roce 1982 navrhl umělec Joseph Beuys vysadit přesně tento počet stromů v celé Evropě: od Německa po Rusko. Na práci se podíleli místní obyvatelé a ke každé sazenici byla instalována speciální kamenná deska.
Ecoart a přírodní aktivismus
Ne vždy je možné oddělit přírodu od aktivit společnosti. Ekologická témata se pevně usadila v politice, ekonomii a sociologii. Umění nezůstalo stranou tohoto trendu. Někteří umělci tak jednoduše nezasazují předměty do prostředí nebo městské krajiny, ale přímo mluví o problémech znečištění.
Eko-umění je tedy užší směr než environmentální umění. Jeho oficiální oddělení od svého „bratra“ se datuje do roku 1972. Poté Georgy Kepes ve své knize „The Art of the Environment“ určil, že eko-umění je zaměřeno na záchranu, ochranu a obnovu zdrojů planety a upozorňuje na problémy životního prostředí. Zde otázka neoddělitelnosti umění od jeho prostředí ustupuje do pozadí. Umělci však tvoří jen část těch aktivistů, kteří se zasazují o ochranu přírody.
Eko-umělecká díla často vznikají v žánru protest. Takové objekty nejen demonstrují problémy, ale jsou také zaměřeny na vytvoření kritického postoje veřejnosti k problému znečištění životního prostředí, a proto přispívají ke změně chování lidí a vládní politiky týkající se problémů životního prostředí.
Takové projekty se skutečně stávají něčím víc než obyčejným uměním. Například mobilní instalace tisíce ledových mužů od Nele Azevedo vás nutí přemýšlet o globálním oteplování. A fotografické projekty Benjamina Von Wonga využívající odpad a staré elektronické součástky jsou o recyklaci. Jedním z jeho nejznámějších děl je „Mořské panny nenávidí plast“.
Městské prostředí
„Environmentální umění“ neboli prostředí organicky zapadá do infrastruktury velkého města. Architekti a sochaři využívají prostor obydlených oblastí jako platformu pro svou práci. Tímto způsobem získají nejen bezplatné publikum, ale také s ním mluví o důležitých otázkách.
Koncem 1960. a 1970. let XNUMX. století vznikla ikonická díla zasazená do veřejné sféry.
1. Mill Creek Canyon Park (Kent, USA)
Je to plnohodnotný 2,5akrový park, přehrada dešťové vody a zároveň umělecké místo. Byl postaven podle návrhu Herberta Bayera v roce 1982 a stále je v provozu. Kromě estetických plní i funkce užitkové. Slouží například jako zásobárna vody v případě sucha.
2. „Památník zmizelého sokola“ (New York, USA)
Alan Sonfist se proslavil díky projektu „Krajina času“ – jeho myšlenkou bylo vysadit na malém pozemku ve městě stromy, keře a květiny, které na tomto území rostly před jeho osídlením. V letech 1965 až 1978 se zde objevily tři stupně lesa: od vzrostlých buků po fialky a mladou trávu. Jedná se o jakousi přírodní památku, podobnou designem jako válečné pomníky.
Dalším jeho slavným projektem z roku 2005 je „Památník zmizelého sokola“. Umělec po celé ploše siluety vysázel vzácné rostlinné druhy, které mohou brzy zcela zmizet z povrchu zemského. Alan se tak rozhodl upozornit širokou veřejnost na problém mizení nejen vzácných druhů zvířat, ale i rostlin.
3. „Wheatfield – Confrontation“ (New York, USA)
V roce 1982 Agnes Denes zasadila celý 2akrový pozemek pšenice poblíž World Trade Center v New Yorku. Toto místo bylo po výstavbě mrakodrapů využíváno jako skládka. Navíc byl volný pozemek doslova co by kamenem dohodil od centra města. O několik měsíců později se objevilo krásné jantarové pole. Stál tam z nějakého důvodu: jeho sklizeň byla poslána do 28 měst po celém světě, aby bojovala s hladem. Projekt ukázal konfrontaci přírody a civilizace.
Aktivisté pod vedením Anežky také zasadili ve městě zelí v podobě slova „Zelí“, zviditelnili částice vzduchu a na břeh zálivu nainstalovali lana, aby ukázala spojení mezi zemí a vodou. Některé z těchto exponátů se postupem času zhroutily, ale existují i jiné, které stále existují a jsou uznávány jako kulturní dědictví.
Životní prostředí a eko-umění v Rusku
Od roku 2010 existuje v Rusku místo, které sdružuje mnoho ekologických děl – Nikola-Lenivets. Tento umělecký park v regionu Kaluga je považován za největší v Evropě. Na 650 hektarech se nacházejí speciálně vytvořené budovy, stavby a sochy. Pravidelný sběr je nahrazován a doplňován. Je pozoruhodné, že na jeho výstavbě se podílejí nejen umělci, ale i místní obyvatelé.
Jednou z nejoblíbenějších instalací Nikolaje-Lenivetse je „Svatyně“, dílo Nikolaje Polisského. Stylizované dřevěné sochy jelenů jsou umístěny na místě, kde bylo objeveno místo starých Baltů. Expozice postupně zarůstá trávou a keři. Setkání s ní by mělo být pro náhodného cestovatele překvapením.
Ruští umělci se také uchylují k eko-umění. Například Inna Grinchel vytvořila projekt proti odlesňování. Jedná se o modely kmenů stromů v plné velikosti vyrobené z jasanu. Kůra na nich je částečně natržená a odhaluje fotografie lidských těl.
Podobný nápad vložil do své instalace Ilya Seletsky. Vysadil celý lesík známých osvěžovačů vzduchu do auta ve tvaru vánočních stromků. Takto by mohl vypadat les budoucnosti, pokud se o něj nebudeme starat.
Může životní prostředí škodit přírodě?
Kupodivu ne všichni ekologové zvažují dopad svých děl na přírodu. Někdy to vede ke zmatku.
Tak se excentrický sochař Christo (vlastním jménem Hristo Yavashev) proslavil balením celých ostrovů a budov do světlých látek. Právě kvůli pokrytí pobřeží v Austrálii v roce 1969 veřejnost kritizovala „velkého baliče“. Takové experimenty by se mohly změnit v ekologickou katastrofu. Od té doby si počínal opatrněji, ale podařilo se mu rozvěsit mnohem více předmětů po celém světě.
V roce 1983 umělec „obalil“ jedenáct umělých ostrovů v Biskajském zálivu světlou látkou a v roce 1985 po deseti letech jednání s francouzskými úřady zabalil pařížský Pont Neuf. Christovo umění zahrnovalo nejen samotný nápad, ale i realizaci projektu – přesvědčit vysoké úředníky, ale i běžné farmáře o nutnosti vybudovat tak rozsáhlou stavbu, není tak snadné.
Zmiňme také příbuzné hnutí v umění, jako je trash art. Materiálem pro díla vytvořená v tomto žánru jsou obyčejné odpadky. Na jednu stranu to upozorňuje na problém recyklace, na druhou stranu to může být nebezpečné pro okolní biosféru. Kusy odpadkových soch padají na zem, do vody nebo je sežerou zvířata. Je nepravděpodobné, že takové důsledky lze ospravedlnit ušlechtilým cílem.
Nakonec každé umění, tak či onak, ovlivňuje přírodu. Nulového efektu nelze dosáhnout, dokud celé lidstvo nepřejde na cirkulární ekonomiku, která minimalizuje škody na životním prostředí, což také znamená přechod na zcela obnovitelné zdroje.
Současné umění se rozvíjelo na konci XNUMX. a začátku XNUMX. století a jeho smyslem je představit klasiku v novém světle. Mohou to být lego obrazy, papírové sochy a dokonce i umělecké vystřihování figurek z knih.
Umění existuje již několik tisíc let, ale moderní interpretace a formy nás mohou někdy šokovat nebo přinejmenším překvapit. Promluvme si o pěti neobvyklých směrech moderního umění, které přitáhly pozornost širokého publika.
1. Kreslení částmi vlastního těla
Nejčastěji se takovými díly snaží umělci upozornit na svou osobu. Někteří kreslí prsy nebo hýžděmi, jiní jazykem a dokonce i penisem a vagínou. Provokativní umění vytváří rozruch kolem umělcovy osobnosti a umožňuje mu vyhřívat se v paprscích dlouho očekávané slávy.
Významní představitelé:
Tim Patch, Kira Ain Varseji, Stephen Marmer.
2. Stíny a světlo v umění
Umělci používající stíny dnes tvoří od nejmenších po největší a rozsáhlé umělecké předměty. Dělají to pomocí cut-off vzoru vytvořeného přímými a lomenými paprsky světla. Mistři tohoto trendu často pracují v hororovém žánru a také vyjadřují myšlenky destrukce prostřednictvím kreativity.
Aby umělci malovali světlem, používají jako „překážky“ hřebíky, plastové lahve, látky, skleněné střepy a dokonce i nejběžnější odpadky a předměty z domácnosti.
Významní představitelé:
Kumi Yamashita, Fred Eerdecens, Rashada Alakbarova, Teodosio Aurea, Dita Wigmana, Tim Noble, Sue Webster.
3. Využití anamorfózy
Anamorphosis je technika pro vytváření objektů a obrazů, které lze vidět pouze z jednoho úhlu. Předpokládá se, že tuto techniku poprvé použil v XNUMX. století Leonardo Da Vinci.
Dnes se anamorfóza používá v graffiti, tisku, kresbě a malbě a při výrobě uměleckých instalací. Na výstavách v Americe můžete najít zajímavé předměty vyrobené pomocí anamorfózy. Anamorfóza může být perspektivní a zrcadlová a její složitější formy jsou vyvinuty pomocí zkreslených čoček, zrcadel nebo jiných optických transformací.
Anamorphosis, stejně jako kresba vytvořená stínem, lze často využít nejen při výrobě uměleckých instalací, ale i jiných trojrozměrných figur. Takové předměty vypadají opravdu fascinující.
Významní představitelé:
Leonardo da Vinci, Joseph Egan a Hunter Thompson.
4. Fotorealismus
Směr fotorealismu se začal rozvíjet počátkem 1960. let, kdy se umělci naučili vytvářet umělecká díla, která je téměř nemožné rozeznat od skutečných fotografií. Taková díla se někdy nazývají „obrazy života“.
Z fotorealismu vzešel další směr – hyperrealismus, ve kterém je realita zobrazována přehnaně. Navíc ji lze nalézt nejen mezi uměleckými obrazy, ale vyjádřit ji i v sochách. Kritika fotorealismu je, že mechanická dovednost je důležitější než ideologické zaměření nebo styl.
Obrazy v žánru fotorealismu vypadají velmi realisticky – je těžké uvěřit, že to, na co se díváte, není fotografie, ale kresba – umělci kreslí své obrazy tak detailně. Je to opravdu úžasné – vytvořit něco takového vyžaduje hodně talentu!
Významní představitelé:
Richard Estes, Audrey Flack, Dway Hanson a Chuck Close, Ben Schonzeit.
5. Illusion body art
Body art je jedním z nejstarších umění, které se objevilo ve starověku. Staří Egypťané a mayské kmeny začali zdobit svá těla, ale dnes se tato praxe dočkala největšího rozvoje. Lidské tělo v tomto případě působí jako plátno – lze na něm zobrazovat různé předměty vnějšího světa. Námět může být omezen pouze umělcovou představivostí.
Například Gesine Marwedel často používá lidské tělo k vytvoření iluze zvířete, za předpokladu, že člověk zaujme určitou pózu, aby myšlenku realizoval.
Významní představitelé:
Jampier Dinamarca Poke, Hikaru Cho, Gesine Marwedel.
Představili jsme vám neobvyklé druhy současného umění, které vyvolávají kontroverze. Přečtěte si více o kontroverzních formách umění, které přesahují standard zde.
